琴童练曲，“放手”才是智慧

更新时间：2025-10-12 10:33  浏览量：1

文 | 李邱晨

前几天，一位新学生的家长带孩子来见我，困惑地说：“孩子前一年就只练了一首曲子，虽说拉起来还挺好听，但实在太无聊了。”我想，这该是很多家长和老师常遇到的问题——对于业余学琴的琴童，到底要把一首曲子练到什么程度，才该“学会放手、换换口味”呢？

讨论这个问题，首先要排除备赛备考的孩子。如果孩子即将面临比赛、升学考试或是重要的考级，那就不必考虑“练得无聊”这件事。除此之外，在日常学琴过程中，对个别曲目过分“执着”，不仅没必要，更是有害的。

对专业演奏者来说，一首曲目无论从技术层面还是音乐处理上，都肯定希望做到自己的极致，达到让听众满意的演奏程度。但业余琴童时间有限，水平也还在逐步提升，“什么时候该换曲子”，不仅关系到孩子的学习兴趣，更考验着老师的教学设计能力。

我个人认为，业余琴童没必要执着于把每首学过的乐曲都练到精益求精。这种偏执的反复“捶打”，不仅会耗费大量精力与热情，还会在有限的学琴时间里缩小孩子的曲目库，让他们失去学习的“宽度”。长期盯着一首曲子练，固然能让技术动作更熟练，但这样练下来，你所接触的，真的还是“音乐”本身吗？

心理学上有个“语义饱和”现象，就是我们盯着一个字使劲看，过一会儿就会认不出这个字了。其实练琴也是如此，盯着一首曲子反复练，大脑也会有麻木或“断片儿”的时候。所以，练曲子时学会“暂时放手”，本身就是一种有益的训练方法。等隔一段时间再把曲子捡回来，你会有很多不一样的发现。拿我自己举例，12岁时我第一次练完《梁山伯与祝英台》，之后二十年里，每隔一段时间都会重新拿出来练。虽说直到现在，我都不敢说已经把这首曲子练到了精益求精的程度，但这种“常练常新”，让我每次都能有新的体悟。

那么，到底该用什么标准判断是否该“放手”呢？我以小提琴教学为例，推荐从以下几个方面参考：

一、选曲层面：选择适应自身技术水平和理解能力的乐曲。

这是学习乐曲的第一步，一定要选适应琴童技术水平和理解能力的曲目，否则你面临的就不是“放手”，而是“放弃”了。曲目太简单，会荒废时光；太困难，即便勉强练下来，也无异于拔苗助长，从长远看没什么益处。同时，老师也要关注琴童的音乐理解力。这种“理解力”是抽象的——大多数琴童对所谓的“音乐性”“乐曲情感”没什么概念，只是单纯觉得旋律“好不好听”。老师要学会放下自己的年龄和阅历，站在孩子的角度思考这个问题，才能选出真正适合他们的曲目。

二、基本功层面：能够进行准确、熟练、流畅的演奏。

毋庸置疑，学一首乐曲，首先要在音准、节奏等基础技术层面做到准确无误。只要选的曲目难度合适，这一点是没有商量余地的——连基础要求都达不到，就算是学习失败了。我对学生的要求通常是：能连续三节课做到基本准确无误，这首曲子就可以暂时放下了。当然，练琴时难免会有小卡壳、小失误，只要这些是偶发错误，就没必要过于纠结。

不过有一点要提出探讨的，就是关于乐曲速度的要求。我们日常给孩子选的曲目中，快速曲目占了相当一部分，目的是训练准确性和熟练度。有些老师会认为，没达到标准速度，这首曲子就不算过关。这种高要求固然没错，但速度要靠熟练度提上来，而熟练度又得靠大量课后练习实现——这样的时间消耗，未必是业余琴童能承受的。要是硬要追求速度，就只能靠长期“磨”曲子，又回到了最初那种单调的死循环里。我对业余琴童的要求通常是“100%准确性+85%速度”，达到这个标准，就可以考虑先“放手”；之后如果考级、比赛或演出需要用到这首曲子，再捡回来精细化训练。

三、技术层面：学会演奏技术，运用基本准确。

学琴阶段，练乐曲的根本目的是应用演奏技术。演奏技术一般会通过练习曲学习，但只有在实际曲目中，孩子们才能真正体会到“这项技术有什么用”。比如连顿弓，你可以通过《克莱采尔》第四课学习，但在克莱斯勒的《美丽的罗斯玛琳》里，更能感受到这种弓法的趣味。所以，学曲目本身也是练技术——得把这首曲子里重点教的技术学明白、用正确，才能考虑“是否过关”；反过来，如果技术没掌握好，这首曲目就不能轻易搁置，不然教学就成了“虎头蛇尾”。

四、音乐性层面：点到为止，多讲故事。

音乐性教学是乐曲教学里很重要的一环，但对业余琴童和专业学生，教学方式、侧重点有很大区别。老师切忌用自己的素养、审美标准去要求孩子，尤其是低年龄段的孩子。音乐性教学要讲究“侧重”：早期阶段点到为止就好，等孩子年龄增长、思想成熟、审美逐渐形成后，再一步步铺开、深入音乐性教学，才有实际价值。

教学时，我会更多让孩子们通过乐曲认识作曲家、了解作品时代背景，多讲点故事、趣闻轶事，既能丰富他们的音乐常识，也能激活音乐兴趣，让他们内心真正燃起喜欢古典音乐的火种。

回归到乐曲本身的风格教学，我推崇“多听少讲，不玩抽象”。毕竟我们学的大多是一两百年前的乐曲，它们的表达方式、审美取向，和现在差别很大。与其让本来就懵懵懂懂的孩子去理解什么是“歌咏性”“自然性”“严肃”“华丽”，不如让他们多听、多看、多模仿。比如教巴赫的一首萨拉班德舞曲时，有学生问我：“为什么非要按这个速度奏？不能按我想的加更多变化、情绪吗？”我于是找了个萨拉班德舞的视频，陪他一起看——答案不用我说，孩子自己就明白了。又像初级启蒙常练的《小步舞曲》，你有没有想过让孩子们看看“小步舞”到底是怎么跳的？说不定有些老师教这首曲子时，自己都不知道“小步舞”是什么。教学的真谛，是让孩子能听懂、能理解；玩抽象并不能体现老师的博学，相反那都是有害的无用功。

以上四个方面达到一定标准，曲目的教学就算“阶段性完成”了。音乐学习里，广度和深度同样重要。老师千万别搞错了“授课对象”——别用专业演奏者的标准，过分执着地消耗业余琴童的精力。音乐美育的使命，从不是把每个孩子都逼成演奏家，而是让乐器融入孩子的成长，让音乐变成流淌在琴童血液里的积极元素，共同培育出一个美好的“人”。

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