专业科普：亚洲第一40年，日本音乐强在哪？华语乐坛到底差在哪？

更新时间：2025-12-08 10:57  浏览量：2

20年前，华语音乐在欢呼周杰伦、王力宏、林俊杰、陶喆。20年后的2025年，我们依旧在听周杰伦、王力宏等人。而相比之下，日本音乐乐坛则是出现和我们完全不同的情况，他们的当下的音乐主导顶级歌手，基本上全部都是90后乃至于00后：

1：日本国民级+国际化歌手——米津玄师。他的影响力在国际音乐上比周杰伦更大，音乐相关的播放量夸张，通过《Lemon》完成国际化。他出生于1991年。他的年龄是34岁，比周杰伦要小12岁。2：日本春晚-红白歌会常客——王牛乐队，成员平均年龄是1992年出生。职业乐队。比周杰伦要小13岁。3：日本春晚-红白歌会常客——爱缪，1995年出生，95后。职业歌手，演唱+作曲+作词+编曲。吉他专精。比周杰伦要小16岁。4：日本春晚-红白歌会常客——胡子男乐队，平均年龄1992年出生。职业乐队，钢琴、吉他、鼓手。比周杰伦小13岁。

以上这些是已经三次以上登上日本春晚红白歌会的日本核心歌手，也就是连续三年被日本春晚发掘，他们的年龄相比于我们华语音乐小的可怕。

但在日本各大榜单上，则是比他们更小的歌手统治了整个流媒体音乐平台，具体如下：

1：两次登上日本春晚-红白歌会的音乐组合——YOASOBI，主唱几田莉拉出生于2000年。比周杰伦小21岁。2：两次登上日本春晚-红白歌会的创造性歌手——Vaundy，出生于2000年的京都。《哆啦A梦》大电影主题曲演唱者+创作者。比周杰伦小21岁。3：两次登上日本春晚-红白歌会的创作型歌手——藤井风，出生于1997年。比周杰伦小18岁。

以上上这足足7个歌手，在日本他们都具有我们国内周杰伦一般的专业度，他们的乐器、作曲、编曲等等工业理解和创作能力，都可以代表日本音乐以及亚洲音乐的巅峰。

而我们华语音乐，在2004年-2025年这21年之间，只有两个歌手拿得出手：

1：1992年出生的邓紫棋。具有完美的演唱+作曲+乐器演奏+编曲能力。2：1985年出生的李荣浩。具有完美的演唱+作曲+乐器演奏+编曲能力。

相比于整个日本音乐而言，存在这足足两代人的差距。

为什么会出现这种情况呢？为什么日本音乐可以成为亚洲音乐的巅峰？日本音乐到底强在哪？我们华语音乐到底差在哪？今天，我们从日本音乐的角度来看一看我们华语音乐存在哪些问题：

主要原因：日本歌手更像是手艺人，门槛在发展中不断提高，而华语音乐的歌手更像是一个明星产品，门槛在发展中不断降低。造成日本音乐可以如此强盛，后起之秀如此之多的根本原因是因为：做音乐这件事情，对于日本歌手而言是一个可以不断发展和不断累计财富的过程。这里主要有三件事：

造成音乐发展根本性的差异性还是在于：华语对于词曲作者的保护是比较匮乏的。我们常常会听到有很多作词、作曲作者在微博上发文

1：写给陈奕迅的主打歌一年版税收入271块？音乐人吴向飞维权。2：哪个音乐综艺是用来我的版权，但是没有支付版权费。3：《沙漠骆驼》侵权、《武家坡》涉嫌抄袭等等.......4：邓紫棋不能演唱自己的歌曲.......

这种新闻多的离谱，音乐的抄袭和侵权行为，在华语音乐之中是非常普遍的，而且维权起来的结果大部分都是非常无语的情况。耗时一年，结果就赔了几千块、几万块，这对于词曲作者而言，是一种巨大的伤害。

宇多田光

而日本的《著作权》则是高度细化。1970年颁布，历经30+次修订，紧跟数字技术发展（如2021年新增“向公众传播权”覆盖短视频、直播的具体行为）；

明确“机械表演权”、“同步权、”“二次创作授权”等细分权利，确保创作者在各种使用场景中获酬；处罚严厉：盗版最高可判10年或1000万日元罚款（约50万人民币）。

相比之下， 华语歌手则是非常维权困难：

《著作权法》虽经2020年修订，但条款笼统、执行模糊；对“合理使用”边界界定不清，平台常以“用户上传”为由规避责任；民事赔偿低：多数侵权案判赔仅数千至数万元，远低于维权成本；刑事门槛高：需“非法经营额5万元以上”才立案，个人翻唱、切片几乎无法追责。

关键差异：日本法律让侵权“不敢做”，华语法律让维权“不值得做”。

这直接让坂本龙一的YMO乐队冲出了亚洲，走向了国际。

坂本龙一

第二个原因是：华语音乐当下已经被无数抖音神曲、低质量、毫无营养、审美拉跨的低质量作品淹没，甚至于一些非常拉跨的作品往往可以成为春晚的曲目。这种只看流量，不看作品品质的选择方式，让华语音乐的市场崩溃——滚石唱片直接炸了。

2005年之前，其实华语音乐的质量是很高的，这个时候是因为实体唱片是巅峰期：周杰伦、林俊杰、王力宏、陶喆、蔡依林、林志炫、陈奕迅、张学友、刘德华、罗大佑、李宗盛、胡彦斌等等音乐大咖，他们都有这一套属于实体唱片专辑的土壤。这种土壤有这三个好处：

1：歌手的门槛极高、晋升通道明确。你要成为成为歌手，首先要被前辈认同你的作曲、作词、演唱、编曲、音乐制作的能力才能吃这碗饭。而不是是个人都能来。

2：音乐品质被李宗盛、罗大佑等人把关，品质是具有艺术美感和市场认同度。当下其实是放大了下沉市场的缺乏音乐审美大众影响力，也就是流量。你一个专业音乐人、乐评人是一个流量，下沉市场的大众也是一个流量，而下沉市场的人数是非常恐怖的。

3：专辑销量，成为了歌手的最好实力证明。因为每卖出一张专辑，就需要去报税一次。歌手能卖出多少张专辑，就需要缴纳对应的税款。可是在当下的流媒体时代，数字专辑的冲击力就完全规避了纳税这个行为。还是回到了《著作权法》的模糊上。数字成本更低，肯定更多人选择数字专辑，而不是需要高门槛纳税的实体实体专辑。

日本音乐对于实体专辑、付费意愿、和榜单销量是非常透明的。比如说宇多田光，在1999年16岁发行的专辑《First Love》一共在日本卖出了足足765万张，创下亚洲纪录。注意，这就是正版销量，可查的纳税销量，而不是什么张学友《吻别》、张雨生《大海》这种销量掺水的娱乐做法。华语的音乐专辑销量是有巨大的水分，因为相关法律和监管是非常模糊的。无法统计的。

在2025年，专辑依旧是日本音乐的核心主流市场，大众的购买意愿还是非常强的。但是对于我们华语音乐而言，普遍是唱片难以销售，而是盗版为主。这也表明我们华语音乐有很大一部分原因是因为：国民经济还是无法支撑音乐产业的消费频率。

滚石唱片-吴克群

日本依旧保留实体唱片，这种具有一定门槛的出版形式决定了音乐质量的下限不会太低，而我们的市场已经被巨量粗制滥造的低成本网络歌曲淹没。

在日本，有4000所高中棒球部，他们每年的棒球队都会更随毕业学生和联赛的要求，产出自己的主题曲、棒球应援曲。这些歌曲记录了无数高中生的青春热血，这种联动，是我们华语更本难以达到的。我们华语音乐课都难上，普遍会被其他学科的老师取代。

这种当文娱产业开始蓬勃发展的时候，音乐会慢慢渗透到各行各业，但是目前我们华语还是有这较大的距离。期待未来，我们学生的音乐课可以被重视。

音乐课才是重中之重

综上，我们会发现，日本音乐的人才济济，是多方面的因素导致。《著作权》的细分规定，极大程度的保护了作曲人、作词人的长期利润和维权的依据，这是一切的动力，让有人愿意去钻研作曲和音乐风格的艺术突破，他们不需要去做其他的工作就能获得较高的利润。希望未来，华语音乐也能蓬勃发展。