“中国传统戏曲中的器乐演奏艺术”——音乐遗产与人文精神系列讲座与工作坊成功举办
更新时间：2025-12-12 22:30 浏览量：3
为深入贯彻“加强非物质文化遗产保护传承”的文化发展要求，推动传统戏曲器乐与高校音乐教育深度融合，中央音乐学院国家非物质文化遗产保护与研究中心于2025年11月成功举办“中国传统戏曲中的器乐演奏艺术”——音乐遗产与人文精神系列讲座与工作坊。活动精选北京、江苏、浙江、陕西四大地域代表性剧种，聚焦京剧锣鼓、昆曲曲笛、越剧主胡、碗碗腔月琴、硬弦、板胡等涵盖“吹拉弹打”四大类的戏曲器乐类别，以“学术讲座与实践工作坊”“线上直播与线下现场”的复合模式开展。中央音乐学院民乐系主任、“非遗”中心主任章红艳教授担任主持人，特邀业界顶尖艺术家现场分享与指导，为校内外专业院校师生、行业同仁及广大音乐爱好者搭建起跨群体、多层次的学习交流平台，助力传统音韵在专业音乐学府与更广泛的文化场域中焕发时代新声，为中华文脉赓续注入鲜活力量。
一台锣鼓半台戏 京剧舞台灵魂
11月10日，系列讲座首场活动“一台锣鼓半台戏 ——京剧舞台灵魂”在琴房楼演奏厅举行，国家京剧院一级演奏员、著名京剧鼓师赵琪担任主讲。深耕京剧打击乐领域五十余年的赵琪以“锣鼓为魂”为核心，系统解构了京剧锣鼓艺术体系。他强调：“锣鼓并非单纯的‘节拍器’，而是为舞台行动确立时空属性与情绪基调的‘语法规则’，更是戏剧情感的‘听觉引擎’与表演结构的‘黏合剂’。”
讲座中，赵琪结合《挑滑车》“大战”段落、《野猪林》林冲受刑场景等经典范例，层层剖析锣鼓在节奏把控、情感传递、叙事串联中的核心作用。作为锣鼓艺术的核心执行者，司鼓被其定义为舞台“神经中枢”：“优秀的司鼓需‘以心造句’，通过灵活组合有限的锣鼓经点子，应对无穷的戏剧情境，这正是东方艺术‘以简驭繁’的精髓。”他特别指出，艺术的至高境界在于“以心体悟”：“技巧是基础，但缺乏‘心’的技巧只能沦为‘匠人’，韵味是‘心’与戏深度共鸣的结果。”
下午的工作坊中，赵琪带领国家京剧院的青年演奏团队演示《开场锣鼓》《开通》等经典套曲，特邀中央音乐学院教授王建华客串演奏，通过“起霸、走边”等身段功法的锣鼓配合解析，让师生直观感受“动作与锣鼓共生”的艺术逻辑。互动环节中，针对“节奏转换如何传递预示信号”“即兴演奏如何增强代入感”等问题，赵琪回应：“核心仍在‘以心传意’，即兴是胸有成竹后的空灵，需对剧情与人物了然于胸。”
水磨雅音・笛韵流芳
11月11日，昆笛专题讲座“水磨雅音・笛韵流芳”如期举行，江苏省昆剧院首席笛师、国家一级演奏员王建农主讲，他从昆曲“静、淡、圆、逸”的整体美学切入，指出昆曲节奏“以戏为中心，以人物为逻辑”，这种“戏曲时间”的理解是进入中国传统音乐体系的基础。
讲座中，王建农系统讲解了昆笛“七调门”体系与“翻七调”指法规律，对比雌雄定调笛、均孔笛等器型的音色差异，强调“昆笛并非单纯的伴奏乐器，而是与剧目、行当及舞台环境密切关联的成套体系”。在腔韵阐释中，他强调 “不同的字必有不同的腔格”，四声“平、上、去、入”各分阴阳，需依照“擞腔”“嚯腔”“口罕腔”“豁腔”等腔格规范，实现“依字行腔、腔随情转”。曲唱如此，昆笛伴奏也如此，必须用笛子吹出曲词的腔格。针对行当与音色的对应关系，他示范道：“老生需宽厚沉稳，净角要有力度外放，六旦音色清丽明快，昆笛的音色随人物而变。”
下午的工作坊以经典昆曲剧目《玉簪记・秋江》为核心教学案例，采用“示范例句—学生模仿—逐句讲评”的沉浸式教学模式有序开展。在实操演练过程中，参与者逐步领悟到戏曲伴奏与声腔表达的深层逻辑：昆笛演奏需精准契合曲词的分句节奏，巧妙配合演唱气口进行换气与停顿，而非一味连贯吹奏；演奏在句末收尾处，需主动为演员的身段表演预留充足空间，实现音与形的协调统一；去声字须注意音的时值分配，豁头虚吹，要吹出虚灵向上、袅袅远送、飘然而收的韵味。而一句曲词中每个汉字的阴阳平仄、虚实变化、轻重处理，都需结合语境与情感表达灵活调整，切忌机械刻板的程式化演绎。工作坊通过高密度的师生互动，让参与者初步触摸到“声腔—动作—呼吸—笛声”四位一体的戏曲音乐内在逻辑，深刻体会到戏曲艺术中“技”与“情”“形”与“韵”的高度融合之妙。
越剧主胡的传统技艺与艺术表达
11月13日，“越剧主胡的传统技艺与艺术表达”讲座在教学楼701举办，一级演奏员、全国百名优秀戏曲教师、浙江音乐学院硕士研究生导师、越剧主胡教师胡山岗担任主讲。作为深耕领域数十年的传承标杆，胡山岗明确越剧主胡“乐队灵魂引领者”的功能定位，提出“一专多能”的演奏者素养要求：“主胡演奏者不仅要精通技巧、熟稔越剧传统过门与丝弦曲牌及各流派唱腔，更要懂剧情、懂人物，让每一个音符都为情感表达服务。”
讲座中，胡山岗系统讲解了【尺调】【弦下调】【四工调】三大越剧唱调的定弦规则与风格差异，并示范了每一唱调的过门，指出“尺调清丽婉转、弦下调沉郁顿挫、四工调明快质朴”。在讲解托腔演奏时，他以浙江小百花越剧团的经典剧目《五女拜寿·冰冻路滑雪花飞》为案例，细致剖析滑音、颤音等演奏技法的人物刻画功能，尤其是表达人物情感的功能，他核心阐释“托腔不是跟腔，是托情”的艺术理念：“主胡演奏需在唱腔基础上进行情感延伸，通过弓法强弱对比模拟人物呼吸节奏，以音程跳进强化戏剧冲突，实现器乐与人声的对话。”
实践工作坊环节，胡山岗以《白蛇传·西湖山水还依旧》《五女拜寿·想先父两袖清风一身轻》为载体，开展“技法与情感”沉浸式教学。针对《西湖山水还依旧》的长过门，他示范演奏如何通过指尖力度变化烘托白素贞的哀怨孤寂；在慢板唱腔部分，重点教授滑音的“虚实处理”与音符的“轻重对比”。参与的学习者感慨：“过去练琴关注技巧‘对不对’，现在明白‘为什么这么奏’更重要，胡老师教的是让音乐‘说话’的能力。”胡山岗在总结中强调：“传统音乐的传承不是博物馆里的标本展示，而是要让古老的音符在当代人心中跳动。”
碗碗腔的主奏乐器及其特色
11月27日，系列讲座收官之作“碗碗腔的主奏乐器及其特色”圆满举办。中国音乐学院博士研究生导师、现任华中科技大学艺术学院院长沈诚教授担任主讲人；同时邀请陕西省戏曲研究院眉碗团一级演奏员、著名硬弦演奏家聂四季，中国音乐学院特聘教授、陕西省戏曲研究院眉碗团著名月琴演奏家王铁牛担任工作坊主讲人。沈诚在开篇致辞中指出：“戏曲音乐是中华传统音乐的主体与‘富矿’，专业音乐教育需打破与民间传统的隔阂，深入音乐类非物质文化遗产相关田野调查，汲取艺术创作与教育实践的源头活水。”
讲座中，沈诚以地理溯源为切入点，系统梳理了碗碗腔的发展脉络：其源于明末清初皮影戏伴奏音乐，至乾隆年间逐步成型；1956年《金碗钗》之《借水赠钗》选段成功从皮影戏搬上戏曲舞台，通过采用电灯照明、真人扮演角色、聚焦现实生活等革新举措，推动剧种实现突破性发展。同时，他详解了东路、西府等流派的风格特质，结合音视频资料直观呈现月琴、硬弦、碗碗等主奏乐器的艺术特色，以及皮影乐队的专业分工体系。在与聂四季、王铁牛的互动交流中，三位艺术家共同回顾了民间班社“口传心授”的传统传承模式，深入探讨了戏曲伴奏在现代舞台语境下的角色转型与功能拓展。沈诚在分享中强调：“专业音乐工作者当以谦卑之心深耕民间艺术土壤，汲取全息化音乐养分，在坚守‘原汁原味还原’的基础上实现‘当代审美超越’，达成传统与创新的辩证统一。”
工作坊环节中，王铁牛、聂四季以其数十载深耕剧团的丰厚积淀，生动诠释了碗碗腔伴奏艺术的精髓，更与沈诚一起现场展示了碗碗腔器乐演奏的精妙配合。王铁牛充分展现了月琴在碗碗腔中“说话般”的叙事性与高度音乐化的人物心理刻画能力。聂四季则聚焦于硬弦与唱腔的伴奏关系，现场演示了不同行当、不同情绪的腔调变化，揭示了戏曲音乐“依字行腔、腔随情转”的美学法则。他们的现场演绎，绝非简单的技巧展示，传递出毕生扎根戏曲舞台所淬炼出的“味儿”——那种源自生活、根植传统、融入血液的音乐感与生命力淋漓尽致地呈现。工作坊现场被誉为“碗碗腔皇后”的一级演员、著名表演艺术家温喜爱受邀与王铁牛、聂四季及沈诚现场合作了一首碗碗腔代表作品《杀妲己》，随后，活动参与者与三位艺术家共同合奏了“花音”“苦音”慢板、《姓桃居住桃花村》等碗碗腔经典曲目，在近距离观摩求教中亲身体验“口传心授”的传承智慧，深刻领悟“技术易得，韵味难求”的艺术真谛，更对传统戏曲艺术的精神内核与传承规律形成了更为真切的认知。
本次“中国传统戏曲中的器乐演奏艺术”——音乐遗产与人文精神系列讲座与工作坊，通过四大剧种器乐演奏的系统呈现，构建起“理论解构 + 实践落地”的非物质文化遗产传承闭环。活动吸引了中央音乐学院师生、校外专业院校同仁及广大音乐爱好者的共同参与，不仅丰富了参与者的传统艺术认知，助力大家跳出“单一乐器演奏”的局限，深刻理解“乐器与剧情、人物、情绪深度融合”的艺术逻辑，更为民乐演奏与创作提供了传统艺术体系中的关键理念与方法支撑，推动音乐类非物质文化遗产与专业音乐教育深度融合。
中央音乐学院民乐系主任、“非遗”中心主任章红艳教授表示：“传统戏曲音乐不再是‘遥远的遗产’，而是可被学习、借鉴、创新的活态资源。”中华优秀传统文化宝库中，戏曲、民乐、曲艺、传统歌舞等多元门类的艺术形式，承载着民族独特的审美基因与文化密码。未来，中央音乐学院“非遗”中心将持续拓宽视野，搭建传统与当代、学院与民间、跨领域与多维度的沟通桥梁，让各类优秀传统艺术成为民乐教育与创作的“源头活水”，助力中国民族音乐在守正创新中实现高质量发展，为赓续中华文脉、增强文化自信注入不息动力。
供稿：中央音乐学院“非遗”中心
文：尹飞、范临风、王颖、孙金田
海报：一森优渥
图：王纪凯
设计：张裕欣
责任编辑：静静
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