看音乐剧《风声》

更新时间：2025-12-22 11:49  浏览量：1

昨天晚上，在保利剧院观看了阿云嘎创作的音乐剧《风声》。这是我第一次观看国产音乐剧，深深感到中国的年轻创作者们正在迅速成长。

当剧场的灯光最终亮起，演员们精彩的一次次谢幕带来的掌声还未停息，耳畔还在回响着歌唱的旋律，那种交织着悲壮与炽热的情绪，久久难以平息。相较于早已深入人心的同名电影，这部音乐剧像是一次对原著精神的回归与重塑，它剥离了影像里的血腥凛冽，以舞台的独特语汇，勾勒出乱世之中，那些隐于暗处的灵魂，如何以生命为炬，照亮全民族抗战的漫漫长夜。

多年前看过电影《风声》，原以为对剧情应当十分熟悉。但到了剧场观看演出时才发现，音乐剧在情节上大幅度回归了麦家的原著小说。说到这里，不得不先介绍一下原著的情节和人物设定。《风声》采用“三重叙事结构”，以“事后追述”的方式揭开1941年裘庄谍战真相，核心情节围绕“谁是老鬼”的悬念展开：

第一部分为“东风”，是以顾晓梦的视角展开。汪伪政府情报部门发现内部有共产党间谍“老鬼”，将涉嫌人员译电科科长李宁玉、收发专员顾晓梦、剿匪大队长吴志国、军机处处长金生火、秘书白小年，软禁于杭州西湖边的裘庄，限期找出内鬼。日军特务机关长肥原龙川主持审讯，通过伪造密电、监听对话、心理施压等手段制造矛盾。李宁玉因持有加密电码本成为重点怀疑对象，遭严密监控；吴志国被指用摩斯密码传递信息，遭酷刑折磨；金生火因胆小懦弱率先自杀；白小年被诬陷后惨死。顾晓梦（实为军统间谍）与李宁玉（中共地下党“老鬼”）互相试探，最终达成秘密同盟。李宁玉在绝望中以“自杀”为掩护，将情报藏在旗袍衣领的针线中，通过顾晓梦传递出去。

第二部分为“西风”，是以潘老视角展开。多年后，作者采访当年的亲历者“潘老”（即小说中的“老汉”），揭露顾晓梦的叙述部分失真。原来，李宁玉并非自杀，而是被肥原逼死，死前以密码写下情报（用《红楼梦》诗句和数学公式组合）。顾晓梦因与李宁玉的“姐妹情谊”及对日军暴行的愤慨，最终选择帮助传递情报，而非单纯为军统任务。

第三部分为“静风”，这一部分以作者自身的视角，通过考证史料、走访后人，还原最终细节：李宁玉的情报挽救了抗日前线的数百名战士，而“老鬼”的精神成为隐秘的信仰符号。小说结尾强调“老鬼不是一个人，而是一种精神”，模糊了个体英雄主义，突出集体牺牲的价值。

如果说电影版《风声》是一把寒光凛凛的刀，直刺人心最隐秘的恐惧，那么音乐剧版则更像一曲荡气回肠的歌，将个人的悲欢融入时代的洪流。最令人称道的，莫过于它对双女主情节的还原。电影为了强化戏剧冲突，对人物关系与叙事线做了大刀阔斧的改编，增加了金生火、白小年、吴志国的大幅戏份，而音乐剧则循着小说的脉络，让李宁玉与顾晓梦这两个女性角色，成为了故事的绝对核心，而那三个男性角色最终都没有死，也没有帮助传递情报。李宁玉和顾晓梦一个冷静自持，如寒梅傲立雪中，带着知识分子的清醒与决绝；一个娇俏灵动，似烈火暗藏冰下，藏着富家千金的天真与勇毅。在裘庄这个封闭的“囚笼”里，两人从最初的相互试探、彼此猜忌，到后来的惺惺相惜、生死相托，每一次对手戏都充满了张力。没有电影里那些令人心惊肉跳的酷刑场面，音乐剧将冲突的焦点放在了人物的内心博弈与情感交锋上。当两人在舞台上唱起那段倾诉心声的二重唱，旋律里的克制与深情，远比视觉冲击更能触动人心。她们的抗争，不是靠血肉之躯的硬扛，而是靠智慧的周旋、信念的坚守，这种“于无声处听惊雷”的力量，恰恰更贴近那些在隐秘战线上奋斗的英雄们的真实写照。尤其值得注意的是，在音乐剧中，顾晓梦回归了小说的人物设定，即军统特工，这也让“全民族抗战”的主题，有了更细腻的注脚，抗战从不是某个党派、某一群人的孤军奋战，所有中华儿女都在以自己的方式，守护着脚下的土地。说到军统的抗战，这里忍不住多说几句。在很多人的心里，军统就是一个残酷迫害我党人员的特务组织，其实在抗日战争时期，军统在敌占区的秘密战线上为抗日做出过非常大的贡献，如果大家有兴趣，不妨自己查一下抗敌杀奸团，还可以找一下曾澈等被日军杀害的地下工作者，更可以看一下军统的传奇女特工武奎元的故事。再比如，我就知道抗战胜利后军统天津站的第一任站长在抗日战争期间担任过平汉铁路爆破总队长，曾经出生入死执行过多次任务。也正是因为这个原因，我曾经对我一个祖上是军统少将的朋友说过，不管他们的政治信仰如何，在那个民族危亡的关头敢于挺身而出的人都是英雄，是我们值得尊敬的前辈。再来说说这部剧舞美和服化道。舞台艺术的魅力，在于它能以有限的空间，营造出无限的想象。

音乐剧《风声》的舞美设计，堪称一次教科书级别的示范。乍一看，它的服装过于夸张，与真实的日军和汪伪军装相去甚远，可在我看来，这恰恰是舞台美学的精妙之处。真实的军装讲求规整肃穆，而音乐剧的服装，则是为人物性格与舞台氛围服务的。日军军官的服饰，用暗沉的色调搭配尖锐的线条，强化了角色的阴鸷与残暴；汪伪特务的装扮，以浮华的面料衬出扭曲的姿态，暗示着他们的趋炎附势与灵魂空洞；而李宁玉的旗袍，素雅却暗藏锋芒，顾晓梦的洋装，明艳却不失风骨，每一件服装都是人物的“第二层皮肤”。这些看似“失真”的设计，非但没有割裂观众的代入感，反而通过视觉上的夸张与提炼，让人物形象更加鲜明，让舞台上的善恶对峙，有了更直观的呈现。

而LED大屏的运用，则是这部音乐剧的点睛之笔。在传统舞台剧中，背景往往是静态的布景，起到的只是烘托环境的作用，而《风声》里的LED大屏，却成为了叙事的重要参与者。当剧情推进到紧张处，大屏上翻涌的乌云、凄厉的警报、模糊的报纸剪影，与舞台上演员的表演相得益彰，将裘庄之外的烽火连天，巧妙地融入了这个封闭的空间；当人物陷入内心的挣扎，大屏上浮现的破碎的密码、摇曳的烛火、飘落的雪花，又成为了角色心理的外化，让观众得以窥见他们隐秘的心事。大屏与舞台实景的虚实结合，打破了物理空间的限制，让观众仿佛置身于那个风雨飘摇的年代，既看到了裘庄里的暗流涌动，也看到了整个民族在危难之中的不屈脊梁。这种“出神入化”的运用，不是炫技，而是真正让技术为艺术服务，让舞台的表现力有了质的飞跃。

音乐，作为音乐剧的灵魂，更是《风声》的一大亮点。剧中的唱段，无论是独唱的婉转悠扬，还是合唱的气势磅礴，都堪称佳作。当演员们用饱满的情感唱出那些饱含家国情怀的歌词，台下的观众无不动容。尤其是那首贯穿全剧的主题曲，旋律里既有乱世的苍凉，又有希望的微光，每次响起，都能精准地击中人心最柔软的地方。不夸张地说，这部剧的音乐效果不输百老汇，从编曲的精致程度，到演员的演唱水准，都展现出了极高的专业素养。不过在我看来，剧种还是有部分旋律的“外国味”稍显浓重，这或许是受了百老汇音乐剧创作模式的影响。百老汇音乐剧的旋律，往往有着鲜明的节奏特点与和声逻辑，这种风格被借鉴到《风声》的创作中，固然提升了音乐的可听性与舞台的感染力，但也在一定程度上削弱了些许中式旋律的韵味。但这丝毫不影响《风声》成为一部优秀的国产音乐剧，反而更像是一种成长的印记。中国音乐剧的发展，本就是一个不断学习、不断融合的过程。从最初对西方模式的模仿，到如今尝试将本土故事与舞台艺术进行深度结合，《风声》已经迈出了坚实的一步。它没有生搬硬套百老汇的叙事套路，而是立足于中国的历史与文化，讲述了一个属于中国人的故事。那些关于家国、关于信仰、关于牺牲的主题，是深深植根于我们民族血脉之中的，这是任何西方音乐剧都无法替代的内核。

走出剧场时，夜色正浓，街道上灯火通明。回望剧场的大门，我忽然想起剧中的歌词：“蜂，追着虫儿飞，倦鸟相依偎，云归。听，梦里琴声似流水，晚风熏人醉……”我们今天这样的岁月静好，不正是当年的英雄们抛洒热血的希冀？放在如今的音乐剧舞台上，又何尝不是创作者们的追求。《风声》的成功，不在于它有多完美，而在于它让我们看到了国产音乐剧的无限可能。它证明了，只要扎根于本土的文化土壤，讲述属于自己的故事，中国音乐剧就一定能走出一条独具特色的道路。

或许在未来的某一天，当我们再谈起中国音乐剧，《风声》会成为一个标志性的存在。它像一粒火种，点燃了更多创作者的热情，也照亮了观众的期待。而那些舞台上的歌声与光影，那些角色的坚守与牺牲，终将化作一种力量，提醒着我们：无论岁月如何变迁，那些深埋于历史中的风骨与信仰，永远不会被遗忘。